Gemma Alpuente
Gemma Alpuente (Algemesí, 1993) es una artista visual cuya práctica se basa en la experimentación, el proceso y la investigación material. Su trabajo combina intuición y método para desarrollar un lenguaje propio que traslada el gesto y el color al volumen a través de una relación directa con la materia. Graduada en Bellas Artes y en Conservación y Restauración de Bienes Culturales por la Facultad de San Carlos (UPV), y máster en Educación Artística por la Universitat de València, ha desarrollado su trayectoria en el circuito del arte nacional e internacional. Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas (fundaciones y particulares) en España, Europa y Asia. Ha colaborado con galerías como Galería Shiras, Galeria Cuatro, SGA, Untitled Gallery, Saisho y Canal Gallery, con la que participó en 2025 en la feria Art Madrid, siendo destacada por Cultura Inquieta y este 2026 con LAVIO (Murcia-Shangai) siendo seleccionada en el recorrido comisariado por Marisol Salanova. En los últimos años ha sido reconocida con diversos premios de carácter nacional, entre ellos el Premio Alhambra en Abierto Valencia, con su retrospectiva Squeeze la cual marcó un punto clave en su proyección pública. Tras verse afectada por la Dana, ha realizado apariciones en medios como Vogue, RTVE, Cadena Ser, Contemporary LYNX; ha participado en conferencias en la UPV y mostrado su trabajo reconstruído en espacios como La Fundación Chirivella Soriano o el CCCC. Es considerada como una de las 25 artistas plásticos españoles menores de 35 años con más proyección por El Confidencial (Vanitatis). Su último proyecto ha sido realizar un mural de grandes dimensiones para la Ruta de Arte Urbano del Valencia CF, junto a artistas como Felipe Pantone, Mawe o la Nena Wapa.
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Fluid Nature
Esta serie se presenta como un entramado de texturas y colores que puede recordar a formaciones coralinas. Esa tendencia que tenemos a buscar referencias en la naturaleza nos lleva a reconocer patrones incluso en lo abstracto. Pero “Fluid nature” va más allá: es una metáfora del deseo humano de ir en contra de su propia naturaleza. La obra recoge una sucesión de instantes, movimientos y transformaciones que han quedado fijados, como una visión condensada de lo que compone nuestra existencia. Cada masa de color es tiempo. Es materia que ha estado viva, en movimiento, cambiando de estado (de líquido a sólido), de densidad, expandiéndose y transformándose hasta quedar registrada tal cual. Por eso, más que representar el tiempo, lo contiene. No es una ilusión de movimiento detenido, sino su rastro real, matérico y visible. De alguna manera, la obra invita a pensar en el tiempo como algo que, aunque parezca imposible, puede llegar a detenerse y conservarse en fragmentos.
Desgravitación pictórica
Esta serie nace de una necesidad de expansión, de llevar la materia más allá del espacio que normalmente la contiene. La pintura en dos y 3 dimensiones deja de depender de un soporte concreto y se abre, se desplaza, como si el gesto y la materia tuvieran vida propia.De algún modo, salta de un cuadro a otro, se mueve libremente por el espacio y termina por materializarse en distintas formas.La forma, las dimensiones, la textura y el dinamismo de cada masa de color responden a un instante preciso: el momento en que la reacción de la materia se detiene y queda fijada.
Inner emotions
«Inner emotions» es un proyecto desarrollado a partir de la experiencia inmersiva o “creación automática”. En él, la artista explora la introspección a través del color y la pintura, principalmente en dos dimensiones, aunque algunas piezas sugieren un tránsito hacia la tridimensionalidad. Es una obra profundamente íntima, nacida del impulso vital de canalizar emociones sin condicionantes, mediante un proceso libre, meditativo y terapéutico. Las piezas revelan lo que raramente logramos expresar con palabras: la belleza anhelada o paisajes soñados de mundos irreales, construidos por destellos de color superpuestos. Comenzada en 2021 con “Inner clouds” y seguida ese mismo año por “Inner forest” (ambas en colección privada), la serie cuenta actualmente con 11 obras.
Tejido Invisible (Dana 2024)
Tras un tiempo sin pintar, Gemma Alpuente se encontró rodeada de emociones contenidas y barro en su estudio, sintiéndose al borde de la asfixia creativa. Buscó un espacio abierto, un solar en el polígono, y se dejó llevar por la materia y la urgencia de expresarse. De ese impulso nacen las piezas de Tejido Invisible, una serie que surge de experiencias límite y donde lo intangible —la energía que une a las personas— se revela como esencial. La serie reivindica el arte como un lenguaje del alma: un tejido emocional que conecta lo íntimo con lo colectivo y sostiene en la adversidad.
Resilencia reconstruída
Esta serie nace de la experiencia directa con la DANA y, por ahora, se concreta en dos obras. Una de ellas incorpora el barro —estabilizado— como presencia visible y material; la otra surge de la transformación de obras anteriores (realizadas entre 2014 y 2025) que fueron dañadas y no pudieron conservarse por salubridad. Lejos de desaparecer, esas piezas encuentran una nueva forma: la obra se reconstruye a partir de sus fragmentos “sanos”, manteniendo en su interior la memoria de lo ocurrido. La serie habla así de pérdida, pero también de resistencia y continuidad, donde la materia no solo registra el impacto, sino que lo atraviesa y se reconfigura.
Matter in motion
En esta serie de pequeños formatos en resina, Gemma Alpuente captura la materia en expansión. El color se desplaza y se transforma dentro de su propio límite hasta fijarse en un instante preciso, donde forma, textura y gesto quedan suspendidos.
FBZ Bottomless
En esta serie, el marco deja de ser un límite que encierra la obra. Junto con la pintura, se convierte en continente y contenido, integrándose en la propia acción creativa. El lienzo como soporte desaparece, y la obra se articula únicamente a través de la pintura, explorando la materialidad, el gesto y la expansión del espacio más allá de sus bordes.
