Alejandra Glez

Alejandra Glez (La Habana, 1996) es una artista multidisciplinar cuyo trabajo abarca la fotografía, la instalación, el videoarte y la performance. Su práctica explora la identidad, la memoria y la espiritualidad, profundamente influenciada por la cultura afrocubana y por su vínculo con el agua como símbolo de transformación y sanación. Reconocida por una mirada profundamente personal y crítica, Glez aborda temas como la feminidad, la sororidad y la emancipación, cuestionando narrativas impuestas y generando espacios de resistencia. Su obra ha sido expuesta en prestigiosas instituciones internacionales y recogida en numerosos medios especializados.

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Agua

Bajo el agua, un cuerpo femenino aparece suspendido, envuelto por los pliegues de una bolsa de plástico que se confunden con la piel. La imagen, turbia y casi abstracta, sitúa la mirada en un espacio de suspensión y silencio. La obra nace del cruce entre lo íntimo y lo ecológico: el cuerpo encarna la vulnerabilidad en entornos contaminados, donde lo artificial ya no es ajeno, sino una extensión de lo natural. El plástico no irrumpe con violencia, sino que se adhiere, envuelve y seduce, generando una tensión sutil entre belleza e incomodidad. La escena oscila entre lo poético y lo distópico, proponiendo una reflexión sobre aquello que flota, se hunde y termina formando parte del paisaje, incluso cuando no debería estar ahí.

Danzando con el mar

Danzando con el mar es una serie performática capturada en fotografía y video que explora el agua como origen, memoria y espacio de transformación. El cuerpo, en suspensión, se entrega al movimiento del mar, disolviendo sus límites y evocando un ritmo primigenio, anterior a la forma. La danza se convierte en un gesto ritual y silencioso, donde flotar es una forma de recordar. El océano actúa como presencia activa, acompañando un proceso de retorno al origen, a lo líquido y a una memoria ancestral que aún habita el cuerpo.

Transformación

El proyecto artístico desarrollado por Alejandra Glez, María de la Rica y Lucía Lamata nace del apoyo mutuo entre mujeres como fuerza de transformación y resiliencia. A través de un proceso colectivo basado en el acompañamiento y el cuidado, la obra genera un espacio compartido donde sanar, crecer y reafirmarse. El mar actúa como metáfora central de este proceso: un territorio en el que lo individual y lo colectivo se entrelazan, donde cada mujer es a la vez isla y parte de un archipiélago en constante redefinición. Más allá del resultado final, el proyecto pone el foco en el proceso mismo como acto de resistencia, sanación y empoderamiento, celebrando la capacidad del apoyo entre mujeres para generar cambios profundos y duraderos.

Oyalokun

Oyalokun es un canto visual al océano como frontera entre lo tangible y lo sagrado. A través de una serie de performances materializadas en fotografía y vídeo, Alejandra Glez fusiona cuerpo y agua en un universo en blanco y negro donde emergen memorias ancestrales. La obra nace de un sueño en el que la artista se imagina habitando un tiempo previo a la colonización, transformando el mar —históricamente umbral de conquista— en un espacio de retorno simbólico, tránsito y resistencia. El título entrelaza las figuras de Oya, diosa de los vientos, y Olókun, guardián de los abismos marinos, evocando también la presencia de Guabancex, fuerza del huracán nacida en el océano. A través de siete composiciones en claroscuro, el agua envuelve los cuerpos como una piel ancestral, convirtiendo el mar en un espejo donde convergen espiritualidad, historia e identidad, y donde la tensión entre furia y calma revela al océano como génesis, herida y umbral de transformación.

Mar Negro

Mar Negro es una serie que aborda la oscuridad como espacio de tránsito y transformación. A través de la repetición insistente de una misma imagen, Alejandra Glez convierte el mar en un reflejo del vacío interior, un territorio donde la ausencia y la búsqueda coexisten. La serialidad funciona como un gesto ritual: insistir en la imagen para nombrar la herida y abrir un proceso de sanación. Inspirada en la lógica repetitiva de Andy Warhol, la obra propone la reiteración como forma de exorcismo y transformación, donde la oscuridad no es un final, sino una prueba. La inclusión de la palabra —una plegaria escrita por la artista— introduce una dimensión íntima que tensiona la imagen y abre la posibilidad de cambio. En Mar Negro, la repetición y el lenguaje dialogan para convertir el dolor en resistencia y la negrura en la promesa latente de un retorno al azul.