Gemma Alpuente
Gemma Alpuente (Algemesí, 1993) est une artiste visuelle dont la pratique repose sur l'expérimentation, le processus et la recherche matérielle. Son travail combine intuition et méthode pour développer un langage propre qui transpose le geste et la couleur au volume grâce à une relation directe avec la matière. Diplômée en Beaux-Arts et en Conservation et Restauration des Biens Culturels de la Faculté San Carlos (UPV), et titulaire d'un master en Éducation Artistique de l'Universitat de València, elle a développé sa carrière dans le circuit de l'art national et international. Son œuvre fait partie de collections publiques et privées (fondations et particuliers) en Espagne, en Europe et en Asie. Elle a collaboré avec des galeries telles que Galería Shiras, Galeria Cuatro, SGA, Untitled Gallery, Saisho et Canal Gallery, avec laquelle elle a participé en 2025 à la foire Art Madrid, étant remarquée par Cultura Inquieta, et cette année 2026 avec LAVIO (Murcie-Shanghai) ayant été sélectionnée dans le parcours curaté par Marisol Salanova. Ces dernières années, elle a été récompensée par divers prix nationaux, dont le Prix Alhambra à Abierto Valencia, avec sa rétrospective Squeeze qui a marqué un tournant dans sa projection publique. Après avoir été touchée par la DANA, elle a fait des apparitions dans des médias comme Vogue, RTVE, Cadena Ser, Contemporary LYNX ; elle a participé à des conférences à l'UPV et exposé son travail reconstruit dans des espaces tels que La Fundación Chirivella Soriano ou le CCCC. Elle est considérée comme l'une des 25 artistes plasticiens espagnols de moins de 35 ans ayant le plus de potentiel par El Confidencial (Vanitatis). Son dernier projet a consisté à réaliser une fresque de grandes dimensions pour la Route d'Art Urbain du Valencia CF, aux côtés d'artistes tels que Felipe Pantone, Mawe ou la Nena Wapa.
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Fluid Nature
Cette série se présente comme un entrelacement de textures et de couleurs qui peut rappeler des formations coralliennes. Cette tendance que nous avons à chercher des références dans la nature nous amène à reconnaître des schémas même dans l'abstrait. Mais « Fluid nature » va au-delà : c'est une métaphore du désir humain d'aller à l'encontre de sa propre nature. L'œuvre recueille une succession d'instants, de mouvements et de transformations qui sont restés figés, comme une vision condensée de ce qui compose notre existence. Chaque masse de couleur est du temps. C'est de la matière qui a été vivante, en mouvement, changeant d'état (de liquide à solide), de densité, s'expandant et se transformant jusqu'à être enregistrée telle quelle. C'est pourquoi, plus qu'elle ne représente le temps, elle le contient. Ce n'est pas une illusion de mouvement arrêté, mais sa trace réelle, matérielle et visible. D'une certaine manière, l'œuvre invite à penser le temps comme quelque chose qui, bien que sem
Desgravitación pictórica
Cette série naît d'un besoin d'expansion, d'amener la matière au-delà de l'espace qui la contient normalement. La peinture en 2 et 3 dimensions cesse de dépendre d'un support concret et s'ouvre, se déplace, comme si le geste et la matière avaient une vie propre. D'une certaine manière, elle saute d'un tableau à l'autre, se déplace librement dans l'espace et finit par se matérialiser sous différentes formes. La forme, les dimensions, la texture et le dynamisme de chaque masse de couleur répondent à un instant précis : le moment où la réaction de la matière s'arrête et est figée.
Inner emotions
"Inner emotions" est un projet développé à partir de l'expérience immersive ou "création automatique". Dans ce projet, l'artiste explore l'introspection à travers la couleur et la peinture, principalement en deux dimensions, bien que certaines pièces suggèrent une transition vers la tridimensionnalité. C'est une œuvre profondément intime, née de l'impulsion vitale de canaliser des émotions sans conditionnement, par un processus libre, méditatif et thérapeutique. Les pièces révèlent ce que nous parvenons rarement à exprimer avec des mots : la beauté aspirée ou des paysages rêvés de mondes irréels, construits par des éclats de couleur superposés. Commencée en 2021 avec "Inner clouds" et suivie cette même année par "Inner forest" (toutes deux en collection privée), la série compte actuellement 11 œuvres.
Tejido Invisible (Dana 2024)
Après un temps sans peindre, Gemma Alpuente s'est retrouvée entourée d'émotions contenues et de boue dans son atelier, se sentant au bord de l'asphyxie créative. Elle a cherché un espace ouvert, un terrain vague dans la zone industrielle, et s'est laissée porter par la matière et l'urgence de s'exprimer. De cet élan naissent les pièces de Tissage Invisible, une série issue d'expériences limites où l'intangible – l'énergie qui unit les personnes – se révèle essentiel. La série revendique l'art comme un langage de l'âme : un tissage émotionnel qui relie l'intime au collectif et soutient dans l'adversité.
Resilencia reconstruída
Cette série naît de l'expérience directe avec la DANA et se concrétise pour l'instant en deux œuvres. L'une d'elles intègre la boue —stabilisée— comme une présence visible et matérielle ; l'autre naît de la transformation d'œuvres antérieures (réalisées entre 2014 et 2025) qui furent endommagées et n'ont pu être conservées pour des raisons sanitaires. Loin de disparaître, ces pièces trouvent une nouvelle forme : l'œuvre est reconstruite à partir de ses fragments « sains », en conservant en son sein la mémoire de ce qui s'est passé. La série parle ainsi de perte, mais aussi de résistance et de continuité, où la matière enregistre non seulement l'impact, mais le traverse et se reconfigure.
Matter in motion
Dans cette série de petits formats en résine, Gemma Alpuente capture la matière en expansion. La couleur se déplace et se transforme dans sa propre limite jusqu'à se fixer à un instant précis, où forme, texture et geste restent suspendus.
FBZ Bottomless
Dans cette série, le cadre cesse d'être une limite qui enferme l'œuvre. Avec la peinture, il devient contenant et contenu, s'intégrant à l'action créative elle-même. La toile en tant que support disparaît, et l'œuvre s'articule uniquement à travers la peinture, explorant la matérialité, le geste et l'expansion de l'espace au-delà de ses bords.
