Alessia Bayro

La serie explora el cuerpo como un espacio de construcción de identidad. A partir de una estética ligada al fetiche, la figura femenina aparece inicialmente protegida por una segunda piel que actúa como máscara y permite habitar un personaje liberado. A través de gestos como tensar o retirar, las pinturas construyen una secuencia donde el desnudarse no es erótico, sino un proceso de eliminación de capas de control. Así, la obra transita de lo construido a lo íntimo, mostrando una vulnerabilidad donde conviven poder, deseo y exposición, mientras el cuerpo fragmentado se convierte en un territorio de relatos.

1 obras en la serie

Esta serie parte del acto creativo entendido como un proceso de construcción, descomposición y reformulación de la imagen. Las manos ocupan un lugar central, no solo como herramienta de trabajo, sino como una extensión visible del pensamiento y del gesto. Las composiciones se sitúan en un espacio indeterminado, más cercano a un territorio interior que a un lugar reconocible, donde la luz focal y los colores saturados intensifican la energía latente del proceso creativo. A través de ello, la serie plantea la pintura como un espacio de exploración y autoindagación, en el que la imagen no se presenta como algo cerrado, sino como una forma en constante transformación.

2 obras en la serie

Alessia Bayro sitúa el cuerpo de la mujer en el centro del discurso plástico, abordando las tendencias autodestructivas del ser humano. En diálogo con el concepto de “modernidad líquida” de Zygmunt Bauman, su trabajo cuestiona la carnalidad y la solidez del cuerpo en una contemporaneidad marcada por la inmaterialidad, la inmediatez y lo virtual. La coexistencia de lo bello y lo perturbador se manifiesta en un lenguaje pictórico que combina un profundo análisis técnico con una fuerza disruptiva, donde la piel deja de operar como frontera con el mundo exterior. El desgarro de la carne proyecta la idea del cuerpo como residuo, evidenciando una condición vulnerable y en transformación. La estética de la herida se plantea como una expresión simbólica que contrasta con los cánones de belleza y perfección corporal, revelando un profundo anhelo de experimentar la carne y la necesidad de estar plenamente consciente del presente.

3 obras en la serie

Esta serie retrata la feminidad desde una narrativa fragmentada, donde manos, piel y elementos florales configuran una tensión entre deseo y destrucción. El cuerpo se presenta desarticulado en gestos que centran la atención en lo táctil, mientras la flor, tradicionalmente asociada a lo femenino, es sometida a una presión que desactiva su carácter ornamental, recordando que todo lo que florece puede también romperse o marchitarse. El gesto de la mano, entre lo tierno y lo violento, introduce una ambigüedad donde cuidado y control se superponen. En Mujer entre lirios, la naturaleza envuelve la figura, sugiriendo encierro y configurando una feminidad pensante, contenida y expansiva a la vez.

4 obras en la serie