MEJORES FOTÓGRAFOS ESPAÑOLES y nuevas prácticas contemporáneas

MEJORES FOTÓGRAFOS ESPAÑOLES y nuevas prácticas contemporáneas

Por Estrella Jiménez Mazo

La historia de la fotografía empieza en España en 1839, año en el que se tomó el primer daguerrotipo en nuestro país. Desde entonces, la práctica fotográfica ha pasado por muchas fases, desde una primera recepción del nuevo medio hasta la diferenciación entre fotografía y fotografía artística, pasando por la expansión comercial o los distintos discursos contemporáneos. Pero, ¿cuáles son las prácticas contemporáneas en la fotografía actual? ¿Existen rasgos en común en la generación actual de fotógrafos españoles? ¿Cómo están trabajando sus discursos y su técnica? En este artículo realizamos un breve repaso por la historia y la práctica de los últimos años de la fotografía en España y presentamos el trabajo de 20 fotógrafos jóvenes que están desarrollando un trabajo muy interesante.

Un breve repaso por la historia de los últimos años de la fotografía en España

 

Como aseguran José Luis Marzo y Patricia Mayayo en Arte en España (1939-2015) ideas, prácticas, políticas, hasta los años ochenta, la fotografía ocupaba un lugar marginal dentro del mundo del arte en nuestro país. Existía hasta entonces una influencia muy marcada de la tradición de la fotografía clásica, que diferenciaba entre el concepto de artista y el de fotógrafo. Aún así, es en esta década cuando se empiezan a superar las eternas polémicas sobre el valor estético o documental de la imagen reproducida técnicamente. No obstante, y a pesar de estos avances, no será hasta los años 90 cuando se produjo la “normalización” definitiva del medio en el campo artístico.

A largo de la década de los 90 nacieron nuevos espacios dedicados a la exhibición e investigación de la fotografía y los grandes museos organizaron ya las primeras grandes exposiciones sobre ella, como por ejemplo Cuatro Direcciones: fotografía contemporánea española, 1970-1990, comisariada por Manuel Santos en el Museo Reina Sofía. Además, las diversas fundaciones privadas que habían ido surgiendo con la llegada de la democracia fueron mostrando cada vez un interés más creciente en su programación de fotografía (por ejemplo la Fundación La Caixa, la Fundación Telefónica, la Fundación Mapfre o FotoColectania, centrada específicamente en fotografía contemporánea). También empezaron a surgir editoriales, revistas especializadas y en 1998 nació Photoespaña, un festival internacional de fotografía que se celebra desde entonces cada año en Madrid y que ha ido creciendo y consolidándose hasta convertirse en una cita de referencia para el mundo de las artes visuales.

 

 

En cuanto a su posición en el mercado del arte, en los 90 la fotografía se convirtió en el soporte adecuado para tomar el relevo de la pintura, un tanto agotada tras los pictóricos 80. Y aunque la instalación, el vídeo e incluso la propia pintura, que ha vivido un resurgir en los últimos años, son disciplinas que siguen funcionando en el contexto del mercado de arte contemporáneo, tras el boom de los 90 la fotografía quedó consolidada en nuestro mercado y desde entonces las ventas no han variado sustancialmente.

En definitiva, desde los años ochenta hasta ahora, la fotografía se ha ganado un puesto principal en el panorama artístico nacional, en el que tanto críticos como museos como el mercado han aceptado la importancia incuestionable del lenguaje fotográfico.

 

Prácticas contemporáneas en la fotografía española

 

En la era de posfotografía y la posmodernidad, es cada vez más difícil encontrar características en común dentro de una misma generación de artistas. Sin embargo, y a grandes rasgos, la práctica contemporánea en la fotografía española actual se distingue por:

 

1. Tendencia anti documental, que cuestiona el concepto de realismo fotográfico.

2. Fotografía teatralizada o escenificada, en la que realidad y ficción se mezclan constantemente con el uso de modelos y escenarios recreados.

3. Redefinición del paisaje y el bodegón.

4. Nuevo documentalismo: subjetivación de los temas y búsqueda de los valores estéticos en paralelo a los contenidos temáticos que se siguen ajustando a problemas sociales, culturales y económicos.

5. Intimismo a través recuperación de las historias personales y familiares.

6. Boom del fotolibro y la autoedición.

7. Convergencia entre la fotografía artística y la comercial: los fotógrafos que hacen encargos comerciales no sienten ya la presión del sistema del arte por ello.

 

20 mejores fotógrafos españoles cuyo trabajo tienes que conocer 

(No están todos los que son pero sí son todos los que están)

 

Rubén H. Bermúdez

Trabaja como fotógrafo en Barriga Estudio. Cofundador del Fanzine ‘10×15’, es autor del fotolibro ‘Berlin: Looking for freedom’. En 2014 inicia el proyecto ’Y tú, ¿por qué eres negro?’ con el que consigue la beca Fotopres. También imparte talleres, conferencias e investiga sobre la representación de la negritud. Es coordinador de la revista de fotografía ’ClavoArdiendo-Magazine’.

Dani Pujalte

Los proyectos del fotógrafo Dani Pujalte abordan, desde una mirada honesta y personal, problemáticas culturales y sociales con la intención de trasladarlas a un ámbito universal o generacional. A través de la búsqueda en paisajes confusos y únicos, consigue representar una serie de situaciones singulares que evocan y sugestionan el presente, o el futuro, que nos rodea.

David Hornillos

David Hornillos estudió fotografía en la Escuela Blank Paper y es miembro del colectivo Fotoaplauso. Fue galardonado con el Premio ARCO 2013 de Fotografía Documental y fue nominado para el Premio al Primer Libro. En 2014 participa en la exposición “Libros que son fotos, fotos que son libros” en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid) y en “P2P Prácticas Contemporáneas de la Fotografía Española” Photoespaña 14, Teatro Fernán Gómez, Madrid.

Su primer fotolibro, Mediodía (Dalpine), fue publicado en 2014 y fue nominado para el Premio al mejor libro del año 2014 de Kassel.

Leafhopper

David Simon Martret y Blanca Galindo (1984) son los nombres detrás de Leafhopper, un colectivo de artistas cuyo trabajo parte de la fotografía documental pero que se desarrolla explorando otras disciplinas artísticas. Y es ese trabajo como colectivo, en equipo, uno de los rasgos más interesantes de Leafhopper, ya que su práctica artística, su forma de conceptualizar sus proyectos pero también de producirlos o elaborarlos, están influidos por el hecho de trabajar juntos. También el viaje como experiencia vital, más que como experiencia exótica, es determinante no en su trabajo, pero sí en su forma de analizar la realidad que les rodea y sobre la que reflexionan.

Laia Abril

Laia Abril es una artista multidisciplinar que trabaja con fotografía, texto, video y sonido. Ganadora del Visionary Award 2018 y autora de diversos libros entre los que se incluyen las publicaciones The Epilogue y On Abortion. En 2016 fue galardonada con el Premio Revelación Foto España, Fotopress Grant y Prix de la Photo Madame Figaro por su exposición en Les Rencontres d’Arles A History of Misogyny, chapter one: On Abortion. Su trabajo se ha exhibido internacionalmente en los Estados Unidos, Canadá, el Reino Unido, China, Polonia, Alemania, Holanda, Suiza, Turquía, Grecia, Francia, Italia y España.

Jorge Isla

En su trabajo Jorge Isla se interesa por los límites entre la fotografía y el resto de disciplinas artísticas, no como un enfrentamiento entre ellas sino como un nuevo espacio de diálogo. Investiga además cómo hay rasgos de la realidad que son imperceptibles para el ser humano pero que pueden conocerse a través de distintas herramientas. Así ocurre en Sputtering, uno de sus proyectos más reconocidos y que muestra, mediante secuencias de imágenes, cómo la cámara fotográfica es capaz de percibir algo que es invisible al ojo humano: el proceso físico que provoca el parpadeo de una luz fluorescente. Ese parpadeo queda reflejado en sus fotografías, permitiéndonos contemplar un fenómeno que sería imposible hacerlo de otra forma.

fotógrafos españoles Madrid

Toni Amengual

La fotografía documental del artista Toni Amengual busca provocar el pensamiento crítico en nuestra sociedad. En recientes proyectos ha investigado sobre un mismo tema: el modelo turístico actual masificado, en el que confluyen capitalismo, precariedad y hedonismo. Su trabajo ha recibido premios y menciones tales como Descubrimientos PhotoEspaña 2010, Scan Tarragona 2009, Premio Absolut Portfolios en Nuevo Documentalismo de La Fábrica o el Premio al mejor fotolibro autoeditado en PhotoEspaña 2014. Su obra se encuentra en colecciones como la de los museos MOMA (Nueva York), TATE (Londres) o el MACBA (Barcelona).

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Bego Antón

Bego Anton nació en Bilbao en 1983 y reside en Barcelona. Su trabajo fotográfico disecciona el comportamiento humano y reflexiona sobre nuestra implicación psicológica y moral con el mundo natural. También muestra particular interés por pequeños grupos para trabajar sobre conceptos como la verdad, la realidad o la fantasía.

Su trabajo ha sido publicado en Lens Blog del NYT, National Geographic, Le Monde, CNN Photos y The British Journal of Photography entre otros, exponiendo en España, Nueva York, Washington, Suiza o Alemania.

Ignacio Navas

Ignacio Navas (Tudela, 1989) vive y trabaja en Madrid. Ha cursado estudios de Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid y Fotografía en Blank Paper Escuela, donde ha colaborado paralelamente en las labores de formación y gestión. Su trabajo se dio a conocer en la edición de Intransit de 2011 con tres proyectos en marcha que nos mostraron una línea de trabajo sorprendentemente sólida para un artista tan joven. Estos proyectos son “Linde” (2012), “Yolanda” (2014) y el aún no finalizado “El norte” (2011 – ). Para la presentación de estos trabajos, Navas recurre a sistemas de autoedición en forma de series fotográficas, en torno a una línea argumental, que dan lugar finalmente a un libro-fanzine en una edición cerrada.

Fotografía figurativa

Óscar Romero

Con una obra personal que ha ido desarrollándose conforme su formación e intereses avanzaban, Óscar Romero ha creado un discurso propio alejado de las tendencias predominantes en la fotografía actual. Su trabajo explora temas sociales pero también proyectos más íntimos, como “Bodegones 2018” una serie en la que a través de objetos personales crea relatos de luz y color. Romero, que en 2011 fue galardonado con el primer Premio Internacional “Universo en Español” organizado por el Instituto Cervantes, Loewe y El País, combina en su trabajo los encargos comerciales con los proyectos personales, dotando a su obra de recursos poco frecuentes en fotógrafos contemporáneos.

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Rita Puig-Serra

El trabajo Rita Puig-Serra está estrechamente relacionado con la literatura, (no en vano es, además de artista plástica, editora de la revista Perdiz Magazine). Con su obra Rita explora el concepto de identidad y cómo ésta es redefinida en las distintas etapas de nuestra vida. También investiga la esencia de las relaciones humanas y la influencia que tienen el amor, la muerte, la suerte o los recuerdos en la construcción de nosotros mismos.

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Fernando Bayona

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Granada. Completó su formación con un máster en Fotografía y Diseño Visual en la Universidad NABA de Milán, cursos y residencias en prestigiosos centros de creación nacionales e internacionales.

Sus trabajos han sido expuestos en numerosos centros expositivos de Miami, Nueva York, Buenos Aires, Bruselas, Berlín, Milán, Roma, Venecia, Osaka, Túnez, Madrid, Barcelona, Valencia, Bilbao,… así como en ferias internacionales como ARCO, ART MIAMI o BASEL. Además, su obra se encuentra en numerosas colecciones privadas, museos e instituciones como el CA2M, Unicaja o Fundación Botí en España, BSI Bank en Suiza, Eberhard, FORMA (Centro Internazionale di Fotografía) y Fundación Luciano Benetton en Italia o Bayer en Alemania.

Geray Mena

Geray Mena vive entre Madrid y Ámsterdam. Es fotógrafo y centra su trabajo en cómo la biografía de los objetos, gestos y lenguajes afectan a nuestra memoria. La obra de Geray Mena contiene una fuerte estética onírica, que hibrida lo real y lo ficticio, el bodegón y la arquitectura. Su trabajo ha sido expuesto en centros de referencia, ferias y festivales internacionales y nacionales como el Centro Cultural Conde Duque y el Centro Cibeles de Madrid.

Sandra Ferrer

La fotógrafa y artista conceptual Sandra Ferrer investiga sobre historias y vivencias, controvertidas y cotidianas, las cuales representa a través de sus fotografías e instalaciones con gran sensibilidad. Ferrer analiza y reflexiona sobre los pequeños detalles, las sensaciones y las emociones que se experimentan en dichas situaciones desde un nuevo punto de vista, mostrando cómo, a través de estas historias, se van construyendo las identidades.

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Sara Janini

Sara Janini es una de las mejores retratistas que existen actualmente en España. Sabe captar como nadie la esencia tanto de los protagonistas de sus retratos como de los lugares y paisajes que reproduce. Estamos acostumbrados a ver las imágenes de Janini en publicaciones de viajes internacionales y nacionales (National Geographic, El Mundo Viajes,entre otras). Janini ha presentado su trabajo en diversos espacios de la capital como la Real Sociedad Fotográfica, Matadero o Casa de América, así como numerosas galerías privadas.

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Enrique Escandell

Las obras de este Enrique Escandell parten de un contexto personal, de experiencias cercanas al autor, donde a través de la sencillez de sus encuadres nos muestra detalles y lugares que podrían pasar desapercibidos. Escandell nos advierte de estas pequeñas historias detrás de las imágenes que fotografía para convertir su mirada personal en una temática más universal.

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Paco Poyato

El fotógrafo madrileño Paco Poyato investiga el concepto de globalización desde el estudio de experiencias que comparten diferentes grupos. La construcción de la identidad individual y colectiva a partir de estas experiencias definen sus composiciones. Sus obras han participado en el referente festival PhotoEspaña, albergando también, exposiciones internacionales en el Creative ECC de Berlín, entre otras instituciones.

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Andrés Pachón

Andrés Pachón ha desarrollado, durante los últimos años, una práctica visual sobre la construcción del imaginario colonial a través del uso de archivos fotográficos en antropología y etnografía. En sus trabajos reflexiona sobre la construcción del conocimiento a través de la fotografía, estableciendo relaciones entre las prácticas del s. XIX y XX, y los usos tecnológicos del presente, como es el caso de su actual investigación sobre la actividad sociotécnica de los sistemas de Visión Computacional por Inteligencia Artificial.

Pascual + Vincent

Aunque fotógrafos consagrados individualmente, Pascual + Vincent trabajan como colectivo artístico desde 2014. Su proyecto The Tree of Life is Eternally Green fue ganador de la convocatoria “Hacer” (Foro PHotoEspaña-Comunidad de Madrid), seleccionado en “Encontros da Imagem 2014” (Portugal) y finalista de los “Barcelona International Photography Awards (BIPA) Lens Culture 2015”. The Tree of Life is Eternally Green reflexiona sobre la identidad, mediante el entorno natural como eje principal que articula su discurso, buscando representar mediante sus imágenes realidades que se alejan de los tópicos, generalidades o prejuicios.

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Óscar Monzón

Óscar Monzón trabaja principalmente con fotografía, vídeo y música electrónica. Es miembro del colectivo BlankPaper desde 2003 y desarrolla, desde entonces, diferentes proyectos que se han expuesto en IvoryPress, Círculo de Bellas Artes e Instituto Francés, en Madrid; en FotoColetania en Barcelona; en Le-Bal y Fondation Cartier pour l´art contemporain en París, en IMA Gallery, en Tokio y dentro de los festivales Les Rencontres d´Arles, Breda Photo y Lianzhou Foto. En 2013 publica su primer libro KARMA, ganador del First Book Award de París-Photo/Aperture Foundation y en 2017 publica el segundo, ÉXTASIS.

Gloria Oyarzábal

El interés de la artista Gloria Oyarzabal hacia temáticas como los imperialismos, los procesos de colonización/descolonización, las tácticas de neocolonialismo, las reivindicaciones de derechos y más recientemente sobre la identidad y representación de la mujer africana, la han llevado a vivir tres años en Mali y a disfrutar de residencias artísticas en la Art House Foundation (Lagos, Nigeria) o en “El Ranchito” de Matadero (Madrid), desarrollando su actividad entorno al contexto africano. Gloria aborda sus obras desde el auto cuestionamiento, generando debate y planteando posibles nuevas ideologías -sin prejuicios ni cegados por el exotismo estético de estas culturas – claves para incitar curiosidad en el espectador. Su trabajo, cada vez más internacional, ha sido galardonado en 2018 por el reconocido festival de fotografía “Encontros da Imagem” de Braga y apoyado por las Ayudas a la producción de las Artes Plásticas que ofrece la Comunidad de Madrid.

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Anna Bosch

Formada en el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya, Bosch impulsó el colectivo Ruido Photo (2004), es fundadora y parte del equipo del CFD Barcelona (2012), ha ejercido de profesora y liderado proyectos de fotografía participativa. Por su trabajo sobre las élites del Líbano, ‘Bubble Beirut’, recibió en 2016 la Beca FotoPres de La Caixa.

Antonio Guerra

Antonio Guerra reflexiona, a través de la fotografía y la instalación, sobre los procesos de transformación del paisaje y nuestra percepción del mismo a través de las imágenes. Guerra interviene el paisaje como materia prima a través de la cual expresar sus ideas, como el abuso que hace el hombre del medio ambiente y la fragilidad de éste o las asociaciones simbólicas que tenemos del paisaje desde un punto de vista cultural.

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Paula Prats

La luz de Islandia es la protagonista de la serie Still light de la artista valenciana Paula Prats. Las imágenes exploran cómo la luz, en constante cambio en el país nórdico, afecta a las personas, los paisajes y los colores. El desconcierto que provoca la experiencia de esta nueva percepción de la luz se expresa en su obra, que nos transmite la extrañeza del sol permanente del verano y el impacto de su larga ausencia durante el invierno. El trabajo de Prats se ha expuesto de manera individual y colectiva en exposiciones en España, Canadá, México e Islandia.

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David Ortiz

La práctica artística de David Ortiz explora las narrativas de ciertos contextos y territorios a través de diversos lenguajes como el vídeo, la fotografía, la pintura o la instalación. Así, los proyectos fotográficos, «Mount Analogue», «Niebla progreso biodiversidad» y «Tropical Malady», plantean cuestiones como la desaparición, el desplazamiento o el paisaje en relación al territorio mexicano a través de referentes literarios y fílmicos. David Ortiz ha participado en muestras nacionales e internacionales como el Salón ACME de México, el CICA Museum de Corea del Sur y MOTI Museum de Holanda, entre muchos otros.

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Eriz Moreno

El artista bilbaíno Eriz Moreno investiga en sus proyectos el territorio a través de site-specifics, otorgándole así una gran importancia a la experiencia de trabajo directa con el lugar en el que se produce la obra. En su proceso de creación establece conexiones entre distintas informaciones de hechos y temas que aparentemente no tienen relación entre sí pero que le permiten obtener distintos puntos de vista. Su proyecto Bratstvo / Jedinstvo es una investigación sobre la carretera “Hermandad y Unidad”, construida en la República Socialista de Yugoslavia para conectar, con sus 1180 kilómetros, las seis regiones que formaban la federación. Eriz Moreno emprendió un road trip como una forma de acercarse al territorio a través de la experiencia del viaje y conocer la idea de lo que es y fue Yugoslavia: un país que, aunque no existe políticamente, todavía está presente en el imaginario colectivo de la región.

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