Exposiciones de marzo: las imprescindibles

Exposiciones de marzo: las imprescindibles

Por Yaiza González

 

Artistas plásticos, audiovisuales, fotógrafas nos permiten encontrarnos y perdernos a través de sus propuestas artísticas. No hay mejor forma de situarse que dialogando con todos ellos a través de sus muestras. Destacamos en esta presentación, bajo el interés de propiciar este encuentro y desencuentro artístico, una breve selección de estas exposiciones de marzo.

 

Bernardi Roig. Todos los icebergs son negros. Films 2000-2018

Tabacalera. Madrid.
Del 8 de Febrero al 31 de Marzo de 2019.

 

Bernadi Roig Palma, 1965 conocido por su imperativo Cuidado con la cabeza (Sala Acala 31- 200), exposición que reflexionaba sobre “la imposibilidad de mirar por ser incapaz de ver”, de nuevo nos convierte en Edipos que recorren su viaje a modo de catarsis. La cabeza como metáfora continúa resignificada en Iceberg, (aquello desprendido del cuerpo, aquello que se diluye), en Todos los icebergs son negros. Films 2000-2018 escenografía que plasma el imaginario de los excesos y en definitiva de lo real de sus producciones, entendidas como experiencias conceptuales del proceso fílmico en diálogo con el espacio. Apropiaciones de sus propios trabajos de nuevo resignificados al escenificarse en la actualidad.

“Oda a las Zigarreras, Joie de vivre”, es la pieza angular, proyección multicanal, que como nuestro rey de Tebas reflexiona sobre la propia existencia e historia del espacio donde se expone, Tabacalera.

 

exposiciones de marzo bernardi roig

 

Berenice Abbot. Pionera, moderna, audaz

Sala Fundación Mapfre. Barcelona.
Del 20 de Febrero al 19 de Mayo de 2019.

 

Es posible recorrer el paisaje urbano neoyorkino de la década de 1920, admirar sus transformaciones y percibir el bullicio característico de la ciudad que nunca duerme. Estos cambios impregnaban varios aspectos de la cotidianidad, y la fotografía, no se quedaba atrás. Dentro de los debates acerca de la esencialidad de la producción fotográfica y su legitimación como arte, aparece la fotografía directa. La fusión entre esta nueva práctica fotográfica y la fugacidad de la vida moderna de Nueva York fueron retratadas por una de sus mayores representantes, Berenice Abbot, quien publicó sus trabajos «Cambiando Nueva York» en 1939.

La posibilidad de impregnarse y reflejarse en esta ciudad y en esta mirada/composición fotográfica nos viene de la mano de la Fundación Mapfre (Cataluña) a través de la exposición “Berenice Abbot. Pionera, moderna, audaz. Retratos de la modernidad”. La exposición presenta a modo de varios de sus trabajos junto a once piezas de Eugene Atget, fotografo que conoció por la intermediación de Man Ray y que se constituyó como maestro influyente en su práctica fotográfica.

 

 

Yeni y Nan. Dualidad, 1977-1986.

Centro Andaluz de Arte Contemporáneo. Sevilla.
Del 15 de Febrero al 9 de Junio de 2019.

 

El cuerpo performativo sometido a extremos para cuestionarse sus posibilidades como carne y significación en tanto liberación, la exploración del significante ser mujer connotado por la tradición desde la dualidad de la pareja y el estudio del Nacimiento desde su proceso de cotidianidad ritual son cuestiones trabajadas por las artistas Venezolanas Yen y Nan, reconocidas a nivel internacional por sus participaciones en las Bienales de Sao Paulo o París, o por integrarse en la muestra Radical Women Latin American Art, 1960–1985, junto a artistas como Ana Mendieta o Lygia Clark.

El extenso trabajo de las artistas puede verse congregado en la muestra Yeni y Nan. Dualidad, 1977-1986. El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) se completa de una multifacética producción; las performances, fotografías, la escritura, land art, audiovisuales. Todas ellas, presentadas como puentes para albergar un conocimiento más completo respecto a las diferentes prácticas artísticas de Venezuela en la década de los 70 y 80.

 

exposiciones de marzo yeni y nan

 

Stanley Kubrick

Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona.
Del 24 de Octubre de 2018 al 31 de Marzo del 2019.

 

El placer por la distopía es algo que nos persigue desde 1984 hasta Black Mirror, darnos cuenta de que la realidad distópica es un reflejo deformado de la actualidad produce en nosotros sentimientos encontrados, dirigidos más hacia la desesperanza que hacia la nostalgia de un pasado mejor. La relación de director Stanley Kubrick por estas distopías atraviesa cuestiones filosóficas como el libre albedrío o la posibilidad de cuestionarse los parámetros establecidos desde lo limítrofe que nos proporciona alejarnos de lo ideal.

La materialización del imaginario del director y las propuestas de toda su conceptualización se recogen en la muestra Stanley kubrick donde analizan sus doce films, objetos icónicos de sus películas, sus primeras fotografías en Look. Todo una escenografía de película que nos integra de nuevo en el placer de pensar desde el cuestionamiento, desde la extrañeza, pero siempre, con fondo de banda sonora de Beethoven o Richard Strauss, tomando para acompañar, un vaso de leche plus en el Milk Bar Korova.

 

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Fernando Higueras. Desde el origen

Museo ICO. Madrid.
Del 27 de Febrero al 19 de Mayo de 2019.

 

El Museo Ico se ha convertido en uno de los centros de referencia en cuanto a la simbiosis fotografía y arquitectura se refiere. Exposiciones como Joaquín Vaquero Palacios. La Belleza de lo descomunal (1954-1980) continúan resonando en nosotros. El diálogo entre las dos artes de nuevo se presenta con otra gran figura del panorama nacional, Fernando Higueros (1930-2008). El entendimiento de lo urbanístico, lo técnico y pragmático se contrapone a la ingravidez de sus fotografías. Condensar lo bruto de la edificación con la belleza y levedad de sus retratos, provoca un entramado difícil de entender si no es conjuntamente.

El conocimiento y el modo en el que las líneas se desarrollan en el espacio se completa de la emoción que cultiva nutriéndose de otras artes como la música. Sus influencias se caracterizaban por el contacto con la tierra a través de las disposiciones a baja altura del planteamiento arquitectónico y conceptual japonés. En la muestra, también se presenta una recreación del taller del artista o «rascainfiernos», para conocer su característica conformación, solo tendrás que visitarlo…

 

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Y a propósito, si te interesa la relación entre el arte y la arquitectura, no te pierdas la obra del artista chileno Emilio Pemjean.

 

Dionisio González. Parresia y otro lugar

Centro de Arte Contemporáneo. Málaga.
Del 14 de Diciembre de 2018 al 17 de Marzo del 2019.

 

«Nunca antes, la arquitectura había estado tan alejada, tan desocupada, de la socialización de los espacios. Esta forma de habitar se podría definir como arquitectura de la violencia y la seguridad». Dionisio González.

 

En las líneas propuestas por Dionisio González puede leerse al filósofo Michael Foucault, la arquitectura como proyección del dispositivo de control justificado por la seguridad, visión que toma la contingencia sobre el tradicional planteamiento de una historia focalizada en la subjetividad del individuo y su razón y evolución. Las fotografías que presenta en su nueva exposición Parresia y un nuevo lugar plantean toda una selección de 90 trabajos que recogen este referente filosófico base. La intervención en las fotografías de estas proyecciones arquitectónicas convierten los espacios en lugares connotados de significación y de historia, a modo de arquitecturas parlantes que propician el cuestionamiento de lo tomado como veraz e histórico en relación al contexto donde se encuentran.

 

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Cristina Gutiérrez-Meurs. Trapos Sucios (ÚLTIMOS DÍAS)

Sala Rekalde. Bilbao.
Del 08 de Enero al 10 de Marzo de 2019.

 

Trapos Sucios es la exposición que presenta Cristina Gutiérrez-Meurs en la sala Rekalde como apertura del programa de becas Barriek 2019. En ella plantea una serie de corbatas tejidas con nombres de mujeres que han sufrido violencia de género.

La relación de la acción, coser, siempre relegada al espacio de lo privado, del hogar, de la habitación, no propia sino común, es apropiada en esta ocasión por la artista. El acto subvierte y adopta este simbolismo que recupera y visibiliza cada nombre. Conocemos las cifras pero la importancia recabe en nombrar y renombrar, desde el papel de la artista como tejedora y autora, y desde el espacio de la espectadora. El fondo de dicho tejido son corbatas, objetos connotados como el espacio de lo público, de lo político, del hombre, repensadas desde la crítica y el apoderamiento. Su trabajo, por otra parte, se conecta en forma de red con el de otras artistas que veo necesario nombrar: Beth Moyses, Lorena Wolffer, Teresa Margolles, Regina Galindo, entre muchas otras.

 

Maya Watanabe. La Liminal

La Casa Encendida. Madrid.
Del 27 de Febrero al 31 de Marzo del 2019.

 

Pasado el frenesí de la semana del arte en Madrid, debemos recabar en aquellas piezas que verdaderamente merecieron la pena estudiar. La Casa Encendida propone dicha re visitación pausada para el proyecto Audiovisual Liminal de la artista Peruana Maya Watanabe. La investigación se focaliza en las fosas comunes no exhumadas y los desaparecidos no identificados del conflicto armado peruano. El no-sujeto encontrado es reconocido posibilitando el duelo, no de una familia, sino de un país.

No solo es necesario saber sobre el pasado hay que andar con el pasado, puesto que recaba de forma directa en el presente. En este detenimiento nuestra historia se entrecruza desde el presente con la de Perú propiciando un reconocimiento, somos nosotros los historiadores que como plantea Reyes Mata tenemos el deber de recordar, el cual va vinculado al derecho de saber, de la moral y de la cultura. Maya da luz con Liminal sobre el pasado oculto propiciando encuentros entre diversas Historias para poder andar en el presente.

 

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María Ruido. Profundidad de Campo.

Matadero. Abierto x Obras. Madrid.
Del 13 de Marzo al 05 de Mayo de 2019.

 

La reconocida artista visual y audiovisual Maria Ruido presenta el segundo ciclo planteado por Abierto x Obras de Matadero, Profundidad de Campo. El objetivo del programa es acercar el soporte audiovisual como medio eficaz en producir nuevos diálogos con las imágenes. Tanto el primer artista del ciclo Meiro Koizumi como Ruido se aproximarán a la reflexión sobre la violencia directa en el cuerpo, y de una manera más totalizadora, el papel de la violencia en la construcción de la historia objetiva. El espectador tendrá que cuestionarse sobre las aportaciones dentro de esta narración discursiva del medio audiovisual, desestabilizando su concepción del espacio de lo fílmico en relación a lo ficcional.

 

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